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Danna: Una de las mujeres de Viento Florido

Erick — Tue, 01 Jul 2025 00:16:01 +0000

Danna es una joven percusionista originaria de Santa María Tlahuitoltepec, en la sierra
Mixe de Oaxaca. Para ella, la música es mucho más que un fenómeno sonoro: es libertad,
es identidad, es su comunidad. También representa una forma de resistencia, un espacio
para soñar y un refugio donde ella puede escapar—aunque sea un momento— de la
realidad que la rodea.
Inició en el mundo musical a los 12 años, gracias a una coincidencia: Unas amigas de su
hermana (quien, al igual que sus hermanos, también es músico) la invitaron a tocar “Las
mañanitas” en distintas casas de la comunidad con motivo del día de las madres. Ella ya
desde hace tiempo tenía el deseo de involucrarse en la música para poder formar parte de
ese contexto cultural que se desarrollaba en su hogar, así que aceptó, sin saber que esta
decisión marcaría un antes y un después en su vida.

Santa María Tlahuitoltepec y la música

“Las percusiones me eligieron a mí”- así describe el momento en el que empezó a tocar su
instrumento, aprendiendo primeramente de manera lírica, y después de manera
académica.
En Santa María Tlahuitoltepec una tierra donde la música forma parte del entorno diario,
el desarrollo de habilidades musicales en la infancia, es fundamental. Por ello, la
comunidad cuenta con distintas agrupaciones donde niños y jóvenes pueden aprender
música de una manera académica. Esto genera una profunda conciencia del valor que
tiene la música dentro de la cultura y el tejido social de la región.
El valor que se le da a la música en Santa María Tlahuitoltepec y sus alrededores contrasta
con muchas otras regiones del país. Compartir música y cultura es algo fundamental e
importante para la comunidad. Una clara muestra de este argumento son las “Gozonas”
una tradición en la que agrupaciones musicales visitan otras comunidades para compartir
su herencia cultural. Más adelante, esas mismas comunidades devuelven la visita,
fortaleciendo los lazos a través del intercambio musical.

Mujeres del Viento Florido

Mujeres del Viento Florido, también conocidas como Viento Florido, es una agrupación
originaria de Santa María Tlahuitoltepec, y que está integrada exclusivamente por mujeres.
Esta agrupación y su trabajo trasciende de lo musical: cada nota y melodía que interpretan
es símbolo de sus raíces, su lucha y de su profundo amor por la música.
Uno de los primeros acercamientos de Danna con Mujeres del Viento Florido fue gracias a
una invitación por parte de sus amigas a tocar en un evento que tendría la agrupación en
la comunidad.
Terminada esa primera participación que tuvo con la agrupación, recibió una segunda
invitación para una presentación programada la semana siguiente, sin imaginar que esta
vez se trataba de una grabación con Lila Downs.
Estas experiencias le generaron, en sus propias palabras, “un choque de realidades”: un
día tocando en una festividad local, y al siguiente grabando con una artista reconocida
internacionalmente.
Las primeras participaciones que tuvo Danna con Viento Florido, fueron principalmente
grabaciones, debido a la pandemia que impedía la organización de eventos masivos.
En una ocasión, las integrantes de Viento Florido recibieron un aviso inesperado: “Hay una
artista muy famosa interesada en conocer la agrupación”. Ese mensaje despertó en ella
una mezcla de dudas, emoción y expectativa, sobre quien podría ser esa artista y lo que
ese encuentro podría representar.
MON LAFERTE era la artista de quien se trataba, llegando a un ensayo de la agrupación e
iniciando una serie de experiencias inolvidables. Grabando canciones como “Te vi” y “Se va
la vida” en el teatro El Cantoral, además de ser invitadas sorpresa en un festival de música.
La colaboración entre este grupo de músicas no se limitó al territorio nacional: El primero
de esas presentaciones fuera del país fue Viento Florido tocando con Mon Laferte en un
festival de música en Chile, es una experiencia inolvidable para Danna, ella describe el
deseo de poder disfrutar el concierto de manera de espectador, pero en esta ocasión ella
era una de las intérpretes que miles escucharían.
La segunda estación de esta maravillosa colaboración fue, Nueva York, Estados Unidos,
específicamente el Lincoln Center, que sería testigo de este gran concierto.
En entrevista, Danna relata estas experiencias como algo inolvidable y maravilloso, algo
que no solo es significativo para aquellos que formaron parte de este encuentro, sino para
toda una cultura, visualizando aún más la maravillosa y hermosa música de esta
agrupación, algo que trasciende más allá de la música.

Danna como música

Durante aproximadamente 3 años Danna formó parte de la Banda Filarmónica de Santa
María Tlahuitoltepec, donde gracias a la música descubrió otra de sus pasiones, que es el
viajar.
La música llevó a Danna, a conocer distintas ciudades y estados como Puebla, Ciudad de
México, Oaxaca, Tlaxcala, y Guanajuato. Además de presentarse en recintos de Oaxaca y
otros estados, muchos de estos espacios suelen tener una programación cuidadosamente
seleccionada, lo que hace que su participación sea aún más relevante.
En su búsqueda de mejorar y adquirir nuevos conocimientos prácticos y teóricos, Danna
empezó a tomar clases en el Centro de Capacitación Musical y Desarrollo de la Cultura
Mixe (CECAM), y más adelante se uniría a la banda del mismo centro (Banda Filarmónica
del CECAM). Fue una experiencia única, debido a la calidad y alto nivel de la agrupación. Su
estancia en la agrupación fue interrumpida por la pandemia de COVID-19, cerrando así ese
ciclo lleno de aprendizaje para ella.

Futuro y música

Como muchos músicos, Danna llegó a un momento clave en su vida: elegir entre estudiar
música u alguna otra carrera. Optó por la segunda opción. Sin embargo, aunque no eligió
la música como carrera universitaria, esta sigue ocupando un lugar esencial en su vida.
Para ella la música es como un escape momentáneo de la realidad, y un apoyo
incondicional. Su objetivo es encontrar una forma de relacionar su carrera, con la música,
crear y desarrollar un entorno donde la música y su profesión vivan en armonía. La música
para ella, es algo que siempre está, por lo que separarse de ella es muy difícil por el simple
hecho que está presente en su entorno, en las fiestas, en las casas, en su familia. La música
es algo esencial que forma parte de Danna y que sin importar los cambios y direcciones
que tome su vida, la música estará ahí, de una u otra manera.

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Dhash Dhasher y la memoria en los muros

Eduardo López — Wed, 09 Apr 2025 02:03:58 +0000

En los muros de Uruapan florecen colores que no solo adornan, sino que cuentan.
En cada trazo, Dhash Dhasher —artista urbano del barrio de Santo Santiago— pinta no solo con aerosol, sino con memoria, con raíz, con la certeza de que el arte puede ser semilla de conciencia.

Su historia comenzó entre los ecos del graffiti y el pulso del hip hop. “Siempre me llamó la atención la fiesta de los barrios”, nos cuenta. No como espectador, sino como quien ha crecido dentro de ese ritmo vital, rodeado del bullicio alegre, del color profundo y del calor comunitario. Desde niño, esas celebraciones encendieron algo que hoy se transforma en murales llenos de símbolos, personajes y mensajes que hablan de lo propio, de lo nuestro.

“Las herramientas que encontré en el graffiti las comencé a usar para retratar la cultura a la cual pertenezco.”

Y así fue. Inspirado por otros artistas del arte urbano, por la libertad que se respira en las exposiciones donde cada quien pinta lo que le dicta el alma, Dhash halló un lenguaje. Uno que no necesita traducción. Uno que conecta desde la calle y para la calle. Uno que convierte una pared cualquiera en un espejo de identidad.

Uno de los momentos que marcó su trayectoria fue su participación en Meeting of Styles, uno de los encuentros de graffiti más importantes del mundo. Ahí, representando por primera vez a Michoacán, se enfrentó no solo a los mejores del planeta, sino a sí mismo. Compartir técnicas, miradas y energía con artistas de distintos países lo hizo crecer. Pero, lejos del ruido de la gran ciudad, hay otro logro que guarda con particular cariño: sus murales en la calle Independencia de Uruapan. En ellos vive un cuento, el de un niño que descubre por primera vez el río Cupatitzio. Ese mural nació para sembrar conciencia ecológica entre niñas y niños. Y germinó. “He encontrado personas que me dicen que ese cuento les gusta mucho a sus hijos”, comparte con humildad. Ese es el tipo de arte que importa: el que se queda en la memoria emocional.

Claro, nada de esto ha sido fácil. Para pintar un mural, además de talento, se necesita pintura. Y para conseguirla, más de una vez tuvo que trabajar semanas enteras en lo que fuera, solo para comprar algunas latas. Aun así, nunca paró. Porque había algo más fuerte: el deseo de representar lo que ama. Y eso, a veces, puede más que cualquier obstáculo.

Hoy, su mirada está puesta en Urhuapani, su primera exposición individual. El nombre, que en purépecha significa “donde todo florece”, no es una casualidad. En esta exposición —que además es un gesto de resistencia simbólica— Dhash busca mostrar la belleza de su tierra frente a los embates culturales de una globalización que muchas veces borra más de lo que suma.

“Quiero retratar lo bonito que tiene nuestra cultura y por qué deberíamos conservarla, preservarla e incentivar a otras personas a quererla.”

Lo hace con personajes que encuentra en las fiestas tradicionales, a los que invita a convertirse en modelos pictóricos de lo cotidiano. Gente real, con historias reales, que representan la diversidad y riqueza de las comunidades. Porque el arte no le pertenece al museo, dice, sino a la calle. A los transeúntes que se detienen un segundo, que encuentran una escena familiar en una pared cualquiera. Y sonríen.

Dhash también cree que el arte debe hablar del presente, de lo urgente: el cuidado del medio ambiente, la protección de las raíces, las historias cotidianas que conforman el alma de un pueblo. Sus murales no son adorno, son puente. Y en esa intención, su trabajo ha comenzado a jugar un papel clave en el desarrollo cultural de Uruapan. Porque una comunidad que se ve representada, se reconoce. Y una comunidad que se reconoce, se fortalece.

Por eso, cuando le preguntamos qué proyectos valen la pena difundir, sin dudar menciona lo que hacemos en Uërani. Y también lanza una llamada de atención: hace falta más apoyo institucional. Porque, como él mismo dice, “una sociedad sana se logra con una cultura sana.”

Y en eso estamos de acuerdo.

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Don Fransciso Bautista y el Grupo Purhembe

Eduardo López — Tue, 08 Apr 2025 01:30:03 +0000

En un pueblo que respira leyendas y canta sus nostalgias, se esconde la historia de un hombre cuya vida entera se funde con la música de su tierra. Francisco Bautista Ramírez, Panchito, como cariñosamente lo llaman, es un testigo vivo de la tradición purépecha, un artesano del sonido que ha tejido, con hilos de melancolía y esperanza, la esencia de Paracho y sus alrededores.

Los Primeros Acordes en la Sierra

Todo comenzó en el año 1948, cuando un joven Francisco, con la mirada llena de sueños y el alma sedienta de armonía, se adentró en el mundo del solfeo. Fue en esa época cuando tuvo la fortuna de estudiar con Emilio Valerio, un prodigioso clarinetista parachense y heredero de la maestría de Jesús Valerio Sosa, uno de los músicos más habilidosos que este pueblo ha conocido. Jesús, autor del Año Musical de la Sierra, había recopilado las melodías que parecían nacer del mismo corazón de la tierra: piezas como Flor de Canela o el tradicional Corpus.

Ya en esos días, Francisco se formó en la troje de don Emilio, donde, entre el murmullo del viento y el crujir de la tierra, se escuchaban las notas del piano y del chelo. Fue allí donde el joven músico comenzó a entender que la música no era solo un sonido, sino una forma de recordar, de soñar y de conectar con sus raíces. Con el tiempo, se unió al Grupo Erandi, conformado por él y sus hermanos –Joaquín, Juan, Javier y Carlos–, bajo la dirección de su padre Francisco, quien supo guiar sus primeros pasos en un camino de tradición y esfuerzo.

Voces y Ecos de la Tradición

Don Panchito siempre ha sostenido que la música de las cuatro regiones purépechas es vital para entender la identidad de su pueblo. Recuerda con intensidad aquellas jornadas en que, al compás de viejas canciones y nuevos acordes, las fronteras se desvanecían y el alma del purépecha se manifestaba en cada nota. En sus propias palabras, relata:

“Me inspiró que la sierra era parte importante de la música purépecha, luego escuché las obras de don Emilio Valerio que fue mi maestro de solfeo. Me inspiró la música de la sierra, tiene una poética tristeza, una alegría extasiante”.

Estas palabras resuenan en el silencio del campo, donde la escasez del agua y la dureza del terreno han forjado un carácter único, marcado por la melancolía y a la vez por una alegría que brota en los momentos más insospechados. Mientras en la región lacustre se celebra la abundancia del lago, de las flores y de la vida, en la sierra se siente la voz del volcán y la tierra reseca, que dejan en cada interpretación un suspiro, un eco de lo que fue y lo que siempre será.

Durante esos primeros años, Francisco aprendió a escuchar la diversidad de su tierra. “Cuando empecé en el grupo Erandi con mis hermanos, nos inspirábamos con la música de diferentes lugares, de Aranza y de aquí, de Zacán, de Ahuiran, Nahuatzen, sobre todo inspirados por la música de Sevina que es muy expresiva, muy melancólica. La música de la región lacustre es más festiva ¿por qué es más festiva? Ellos tienen todo: Tienen el lago, flores hermosas, tienen agua, el pescado, todo eso se refleja en la mentalidad de ellos. Nosotros, en la sierra, no teníamos ni agua, nuestro suelo era muy limitado para las producciones agrarias, y además, el volcán. Y ahí se refleja la melancolía de Paracho, todo eso lo reflejo yo en mis interpretaciones”.

Así, en medio de ensayos y reuniones, el joven músico comenzó a esculpir su arte, dejando que la nostalgia y la esperanza se mezclaran en cada compás. En las conversaciones, no faltaban los nombres de los grandes compositores que habían dejado su impronta en la historia musical de la región. “Aquí en Paracho, además de Jesús Valerio Sosa, hubo otros compositores importantes, como Aristeo Mercado, Francisco Sosa, don Cesareo Sosa. Lo mismo en el lago de Pátzcuaro, tuve la fortuna de conocer a don Nicolás Bartolo Juárez, un compositor excelente, a su primo Emilio Lopez Bartolo, Rafael Trinidad Bartolo de Janitzio, Tata Gabito Secundino de San Andrés Tzirondaro. De nuestra región Juan Victoriano de San Lorenzo, de Quinceo Juan Crisostomo y Francisco Salmerón, de Sevina Tata Cruz Jacobo. De Ahuiran Hernando Hernández, de Aranza Doroteo Equihua, Arturo Equihua. De Ichán la familia Granados. Tata Domitilo Alonso de Tirindaro. Varios varios más, de momento no puedo recordar a todos, pero los admiro”.

Las palabras de don Panchito, cargadas de admiración y respeto, son como una vieja leyenda que se cuenta al calor del fuego, recordando a los maestros que supieron esculpir el alma musical del purépecha.

Los Caminos del Mundo y el Eco de la Tierra

El destino llevó a Don Panchito y al Grupo Erandi a recorrer caminos que lo habían visto crecer entre la tierra y el cielo. En el año de 1973, el grupo emprendió un viaje que marcaría un antes y un después en su vida musical: una travesía a China. Allí, en el majestuoso Gran Salón del Pueblo (人民大会堂) en Pekín, el presidente de la república, Luis Echeverría, fue el maestro de ceremonias en un evento que unió oriente y occidente en una misma melodía. La emoción de ese viaje quedó impregnada en el recuerdo de don Panchito, como un suspiro que viaja a través de continentes y que narra la universalidad de la música.

Poco después, las rutas los llevaron a los Estados Unidos y a Europa, donde París, Copenhague y Praga se convirtieron en escenarios de un encuentro entre culturas. En tierras lejanas, algunas de sus obras encontraron un eco especial. Canciones como “Cara de pingo”, “Arriba Pichataro” y “El Aplauso” de Nicolás Bartolo se hicieron populares, dejando en el corazón de quienes las escucharon la impronta de una tradición que, aunque distante, sigue viva en el latido de cada pueblo.

El Renacer de un Legado

El tiempo pasó y la vida de Francisco Bautista Ramírez se fue entrelazando con la historia misma de la música purépecha. Con cada viaje, cada concierto, se fue consolidando su figura como uno de los grandes guardianes de un patrimonio inigualable. Su paso por instituciones de prestigio –como la Escuela Popular de Bellas Artes de la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo y el Conservatorio Nacional de Música– y su participación en agrupaciones tan emblemáticas como el Ballet Folklórico de México, lo convirtieron en un embajador de su cultura.

Pero el compromiso de don Panchito no se limitó a la interpretación. En 1989, impulsado por la convicción de que la música era el alma de su gente, fundó el Grupo Purhembe, un ensamble familiar que, con humildad y pasión, se ha dedicado a rescatar y difundir el legado musical indígena de la región. Este grupo, formado en gran parte por miembros de su familia, ha realizado grabaciones discográficas –entre ellas Sentimiento de un pueblo y Con aroma a nuriten– y se ha consolidado como un referente cultural, no solo en Michoacán, sino en todo México.

Además, Francisco Bautista ha dedicado parte de su vida a la enseñanza, siendo asesor musical del Ballet Folklórico de Michoacán y profesor de violín en la Casa de la Cultura de Morelia.

Ecos del Pasado en el Presente

Recientemente, tuve la oportunidad de conversar con Don Panchito, de tomar unas fotografías junto a él y su familia. En ese encuentro, pude notar cómo cada gesto, cada sonrisa, era un homenaje silencioso a una tradición que se resiste al olvido. La música, para él, no es solo un conjunto de notas, sino un puente que une el pasado con el presente.

A lo largo de su relato, don Panchito nos recuerda que, en su vasto repertorio, no hay una composición favorita. Al serle preguntado, responde con una humildad que revela la grandeza de su corazón:

“No podría decirlo. Sería subestimar las otras creaciones y prefiero tener el concepto de que toda la música que componen es excelente. Me gustan los sonecitos, pero no puedo decir, este es más bonito que otro, todos tienen su belleza”.

Estas palabras, simples y sinceras, reflejan la profunda convicción de que cada obra, cada melodía, es un tesoro que enriquece la identidad de un pueblo. Es en esa diversidad de sonidos donde se halla la verdadera riqueza cultural, en la armonía de las diferencias y en el abrazo fraterno de todas las voces que cantan a la vida.

Un Relato que Sigue Sonando

La historia de Francisco Bautista Ramírez es una leyenda viva, contada entre susurros y acordes en los rincones de Paracho y más allá. Desde sus humildes inicios en la sierra, donde la escasez de agua y la presencia imponente del volcán moldearon una melancolía singular, hasta los escenarios internacionales donde su música viajó a Asia y Europa, cada capítulo de su vida es un testimonio del poder de la tradición para trascender el tiempo y el espacio.

Hoy, al recorrer las calles de Paracho, se siente el eco de aquellos viejos acordes que aún vibran en el aire. La brisa que recorre los campos parece llevar consigo fragmentos de viejas canciones, y en cada rincón se percibe el espíritu indomable de un pueblo que se enorgullece de su identidad.

Mientras las fotografías capturadas aquel día aún reposan en mi cámara, me doy cuenta de que lo que realmente perdura es esa conexión inquebrantable con la tierra, con la historia y con el alma del purépecha. La música, en sus palabras y en sus silencios, se convierte en el lenguaje universal que narra desde las carencias del pasado hasta la esperanza de un mañana lleno de vida.

En la sencillez de sus relatos y en la profundidad de sus recuerdos, Don Panchito Bautista nos invita a detenernos, a escuchar y a dejar que la tradición nos hable. Es un llamado a valorar lo simple, lo auténtico, y a entender que, en cada nota, se esconde el alma de un pueblo que ha sabido encontrar belleza en la adversidad y en la constancia de sus raíces.

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Dando Voz a las Memorias Femeninas: Gabriela Mier

Eduardo López — Mon, 03 Jun 2024 22:48:10 +0000

Inspiración Desde lo Cotidiano

Gabriela Mier encuentra inspiración en las historias de vida de las mujeres, específicamente en los detalles de su día a día. Para ella, narrar lo ordinario revela una belleza implícita y salvaguarda la memoria femenina colectiva del olvido.

"Todo transcurre en un tiempo, en un espacio, en un territorio. Y narrar eso que sucede en ese tiempo/espacio/territorio nos devuelve el sentido de mirar el detalle"

Gabriela Mier

Su libro de crónicas literarias surgió del vínculo sentimental que las mujeres de la región lacustre de Pátzcuaro tienen con el lago, retratando un día en sus vidas junto a sus aguas ancestrales. En este libro apoyado por el Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales, a través de entrevistas orgánicas Mier buscó descubrir quiénes son realmente estas mujeres, sus anhelos, penas y recuerdos arraigados al paisaje que las rodea.

En sus propias palabras: “Las imágenes que recordamos siempre vienen colgadas de un paisaje, de un sonido, de una voz, de algún gesto de nuestra madre o de una abuela. Y todo eso adquiere un significado. Dicen que recordar y contar una historia, hace que no la olvidemos y que permanezca en nuestra memoria. Y la memoria nos sostiene.”

El Proceso de Tejer Narrativas

La recopilación de historias fue un proceso orgánico en el que Mier visitó siete comunidades aledañas al lago en busca de mujeres dispuestas a compartir sus vivencias cotidianas. Algunas fueron contactadas por conocidos, otras abordadas directamente, pero todas accedieron con gusto a narrar sus voces. Grabando en audio, Mier transcribió los elementos más representativos y detalles sutiles, tejiendo las crónicas al tiempo que evocaba los gestos y tonos cautivadores. “Mientras escuchaba las grabaciones, también iba recordando los gestos y el tono de voz de las mujeres cuando decían algo. Ahí me detenía”, comparte sobre su método.

Aunque distintas, las siete historias se entrelazan con nostalgia por un lago que se aleja física y metafóricamente. “Sus historias se complementan o se completan. Yo diría que se trenzan. Todas hablan del lago como algo que se aleja, que se hace pequeño, que ya no alcanzan”, describe Mier. El proyecto de un año de duración culmina con la reciente publicación del libro impreso y una versión digital, además de una serie de podcast de siete episodios para darles voz en otros formatos.

Temas y Anhelos Femeninos

Las protagonistas van desde una bibliotecaria hasta una artesana, con edades entre 42 y 74 años. Sin embargo, el hilo conductor es su profundo amor y añoranza por el lago, así como la recurrencia de temas como el amanecer y las flores. “Todas sienten amor y nostalgia por el lago. Todas hablan del amanecer y de las flores”, afirma Mier. Algunas crónicas conmovieron a la autora más que otras, pero todas le hicieron apreciar la fuerza femenina de la región.

"Me hicieron ver la fuerza que hay en las mujeres que habitamos esta región"

Gabriela Mier

A través de sus páginas, la autora anhela que las memorias de estas mujeres perduren y que se publiquen más libros que exploren el universo femenino. “Espero que cada vez más mujeres nos narremos a nosotras mismas, que volvamos a esos lugares, a ese pasado que yo llamo ‘pasado en sepia’, que nos veamos niñas, que nos volvamos a emocionar ante una leyenda que nos contaba nuestra madre”, manifiesta.

Impacto y Trascendencia

Con la publicación de mil ejemplares -tanto físicos como digitales- y una serie de podcast, Mier espera contribuir a la comprensión y valoración de las vidas de las mujeres lacustres. Aspira a que más mujeres se narren a sí mismas, regresen al “pasado en sepia” de sus infancias y sueños, y encuentren en el lenguaje una forma íntima de autoconocimiento. “Que cada vez más mujeres encontremos en el lenguaje una forma de conocimiento personal, íntimo”, expresa su deseo.

Más allá de la región, la obra pretende conmover a los lectores con la fuerza y belleza implícita en las vivencias cotidianas femeninas. Mier busca provocar una reflexión profunda: “Narrar sus voces a través de mi escritura es un honor…Escribir este libro ha sido un proceso de introspección personal. Conectar con la sensibilidad de cada una de las mujeres…y traerlas en sueños, ha sido muy emotivo. Y también fue un desafío porque me enfrenté a mi propia historia.”

La autora insta a otros escritores interesados en documentar narrativas comunitarias a trabajar con respeto, sensibilidad y creando auténticos vínculos. “Que haya respeto y sensibilidad. Que creen un vínculo con la comunidad y con las personas que ahí habitan. Que sepan escuchar”, aconseja.

A través de su labor literaria, Gabriela Mier da voz a las memorias femeninas que corren riesgo de ser olvidadas, preservando los matices de la vida diaria que suelen pasar desapercibidos pero que en conjunto tejen la rica trama de una cultura. Su libro es un homenaje a las mujeres lacustres y una invitación a valorar la belleza de lo ordinario.

Gabriela Mier Martínez (Ciudad de México). Radica en Michoacán desde hace treinta años. Socióloga y escritora. Egresada del Diplomado en Escritura Creativa y Crítica Literaria de la Escuela de Escritura de la UNAM. Obtuvo el Premio Nacional de Novela Breve Amado Nervo 2015 por su obra Un lugar sin alegría (Editorial Ficticia). Obtuvo el Premio Nacional de Cuento Jesús Amaro Gamboa 2016 por su obra El valle de las iguanas (Ediciones de la Universidad Autónoma de Yucatán). Ha colaborado con sus textos en las revistas Pie de Página, Revista LATE, El Estornudo, Punto en Línea UNAM, Letralia Tierra de Letras, Carruaje de Pájaros, entre otras. Fue becaria del PECDAM/Creadores con trayectoria 2018. Actualmente tiene el apoyo del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales para la escritura de siete crónicas literarias. Es fundadora de la organización EnraizArte. Colectivo para la Educación a través de las Artes y por el Arte. Ha desarrollado numerosos proyectos artísticos en las comunidades de la cuenca del lago de Pátzcuaro para favorecer la justicia social, ambiental y de género.

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Entretejiendo legados: Panikua

Eduardo López — Fri, 05 Apr 2024 02:03:56 +0000

En el corazón de la región purépecha, Verónica Cornelio es la portavoz de una tradición familiar que se remonta a varias generaciones. Junto a su esposo Misael, ella se ha dedicado a preservar y evolucionar el oficio artesanal de las fibras vegetales, específicamente el trabajo con la panikua, un material que les ha permitido expresar su identidad, conectarse con sus raíces y mantener viva una herencia cultural que trasciende el paso del tiempo.

Desde temprana edad, Verónica fue testigo del talento y la pasión que su padre, Antonio, imprimía en la elaboración de piezas como vírgenes, cristos y resplandores, utilizando estas fibras vegetales. Eran momentos especiales, cuando se celebraban fechas tradicionales como Semana Santa y Día de Muertos, y ella tuvo la oportunidad de participar, ayudando a su padre con los pedidos y sumergiendo sus manos en la panikua por primera vez.

“En los inicios de la manipulación de las fibras vegetales, se hacía en las temporadas donde se festejaban fechas tradicionales como Semana Santa, Noche de Muertos, Corpus, en donde se elaboraban vírgenes, cristos y resplandores. En ese tiempo, yo ayudaba a mis padres con los pedidos y fue hasta entonces donde comencé a tener la interacción con la panikua”, recuerda Verónica.

Entretejiendo Legados: Panikua

Años más tarde, el padre de Verónica logró desarrollar sus propias técnicas, expandiendo el tamaño y la complejidad de sus creaciones, desde pequeños resplandores de 10 cm hasta imponentes estrellas de panikua de más de 2 metros de longitud. Esta evolución estuvo motivada por la necesidad de generar mayores ingresos económicos para la familia, especialmente después del nacimiento de una hija con una discapacidad en el hombro.

“Esto debido a la necesidad de tener ingresos económicos mayores y con la llegada de un nuevo miembro en la familia, la hija más pequeña que al nacer por negligencia médica la lastimaron, en donde le surgió una discapacidad en su hombro derecho, teniendo como motivación más grande la necesidad del mejoramiento a la familia”, explica Verónica.

Fue a través de una visita de un familiar que se despertó la inspiración para crear piezas cada vez más grandes y elaboradas, logrando incluso atravesar fronteras de creatividad. Esto se tradujo en un mayor ingreso económico, lo que a su vez impulsó al padre a seguir explorando y perfeccionando sus técnicas.

“Esto surgió debido a una visita de una prima muy querida en la familia la cual preguntó a mi padre Antonio si podía hacer una pieza más grande, logrando atravesar fronteras de creatividad del maestro, en donde a la fecha la pieza tiene más de 20 años estando intacta. Mi padre recuerda haber obtenido un ingreso económico mayor, el cual lo motivó a realizar más piezas e interesarse a crear más obras, el cual utilizó para las necesidades familiares que surgían.”

Del laboratorio al taller

Después de haber obtenido una formación académica como químico farmacobiólogo y vivir una temporada en Guadalajara, Verónica decidió regresar a Michoacán, donde se casó con Misael, un hombre de la comunidad de Santa Cruz, en Tzintzuntzan. Fue entonces cuando Verónica se integró al taller de sus padres, encontrando su verdadera vocación y sintiendo que había vuelto a su lugar.

“Yo me inicié en el oficio de la panikua debido a mi experiencia personal al trabajar de la formación académica que obtuve como químico farmacobiólogo, al trabajar en la ciudad de Guadalajara, Jalisco. En el cual en esta estadía me casé con Misael B. Coria, el pertenece a la comunidad de Santa Cruz, municipio de Tzintzuntzan. Mis padres siempre me inculcaron la educación para mi formación. Gracias a ello, logré tener una perspectiva de la vida de forma diferente. El cual al mismo tiempo me llevó a regresar a Michoacán en donde comenzamos a trabajar con ellos en su taller, pues después de mi experiencia pude sentir estar en mi lugar, dedicándonos los dos al oficio de panikua.”

Uno de los mayores desafíos que enfrentaron al incorporarse a este oficio tradicional fue el desarrollo de la propia creatividad, ya que si bien les enseñaron las técnicas utilizadas por sus predecesores, debían encontrar su propia forma de expresión. Además, la calidad del trabajo era un aspecto fundamental, pues el padre exigía que las piezas fueran realizadas con el máximo cuidado.

“Los mayores desafíos con los que nos encontramos fue desarrollar la creatividad propia, ya que nos enseñaron técnicas utilizadas en sus obras y nosotros debíamos expresar nuestra propia creatividad, lo cual nos llevó a reconocer las obras y creatividad diversa de todos los integrantes de la familia que lo manejamos. Y a la par la calidad en el trabajo del oficio, ya que mi padre al enseñarnos nos pedía que trabajáramos con calidad al momento de ayudarle a realizar sus pedidos.”

Confiar en el proceso

El proceso de elaboración de estas artesanías implica la selección y preparación de los materiales, principalmente las diferentes variedades de semillas de trigo y paja, que se obtienen de comunidades aledañas. Luego, se clasifican y se les da el tratamiento adecuado, ya sea para la creación de figuras planas o para la construcción de piezas de gran tamaño, como los soles de panikua.

“Existen diversas semillas de trigo utilizadas en la república, las cuales utilizan para hacer harinas de pan. La paja se la dan de alimento al ganado y hasta para hacer casas con adobes de lodo. Nosotros logramos utilizarlo para realizar artesanías. Eso nos ayuda debido a que, de acuerdo a la diversidad de semillas, estas les dan características diferentes, desde tamaño, textura y color.”

Esta materia prima se obtiene de comunidades donde aún se conservan extensiones de tierras grandes, como Azajo, y de un proveedor agrícola del estado de México. Una vez clasificados los materiales por tamaño, grosor y color, se procede a humedecerlos y manipularlos, aplicando diferentes técnicas de tejido y armado, dependiendo de la pieza que se vaya a elaborar.

“Al obtenerlo, nosotros nos encargamos de clasificarlo por tamaño, grosor y color, ya que al utilizarlo, debido a estas características, lo destinamos para tejido de figuras planas y otros para los soles de panikua y figuras pequeñas que utilizamos para su decoración. Al tenerlo clasificado, pasamos a mojarlo de 10 a 15 min en reposo. Debemos cuidar su humedad, ya que si lo dejamos mucho tiempo mojado se rompe o si le falta humedad se rompe.”

Estas técnicas ancestrales, aprendidas de generación en generación, abarcan desde los tejidos tradicionales hasta los nudos utilizados para los amarres, pasando por la inspiración de la cosmovisión purépecha y la representación de elementos emblemáticos como el colibrí.

“Técnicas de tejido para figuras planas, estas surgen de la interacción con la naturaleza que se tiene y aún se conservan en nuestras comunidades, las cuales son representativas de la región. Nos hemos dado cuenta que tejer con el popotillo es como dibujar, se puede realizar casi cualquier cosa. Las técnicas que logramos conservar son las de cintillas prehispánicas las cuales al percibirlas se pueden ver las formas de zic zac y en forma de espiral. Estas fueron aprendidas por el bisabuelo Moisés Cornelio, ya que algunas eran utilizadas para elaboración de artesanías tradicionales.”

“Para los soles de panikua, logramos tener la inspiración de la cosmovisión purépecha, ya que a través de la misma reconocemos al dios Tata Curiata, que a simple vista nuestras piezas a la vista parecieran ser un sol. Y así mismo con las piezas que logramos personalizar con la decoración que utilizamos.”

“Los colibrís que utilizamos para el diseño lo hacemos con alusión de transmitir la localización del lugar de donde somos, pues Tzintzuntzan significa ‘lugar de colibrí’, es por ello que en la mayoría de nuestros diseños decoramos con colibrís. El nudo que utilizamos para nuestros amarres surgió de la práctica de remendar las redes para pesca al momento de romperse, pues mi padre recuerda a mi bisabuelo remendarlas con un nudo que él mismo llamó ‘nudo de puerco’, este por ser práctico y resistente al emplearse fue muy adecuado utilizarlo en cada amarre de nuestras piezas.”

Fortalecer la tradición

Para Verónica y su familia, preservar esta tradición significa mucho más que una simple actividad económica. Es una forma de expresar su identidad, de conectarse con sus raíces y de transmitir a las nuevas generaciones los conocimientos y valores que han sido parte de su legado familiar.

“Es un gran orgullo poder conservar las prácticas ancestrales transmitidas por nuestra familia, además de la transmisión de conocimientos, para nosotros es una forma de poder expresarnos que va desde un pensamiento, recuerdo, idea y sucesos que nos van marcando en la vida misma. Nos damos cuenta que podemos transmitir parte de nuestro ser, esto libera una sensación de bienestar y orgullo.”

“Para nosotros significa gratitud, compromiso, amor y alegría el poder conservar y mejor las técnicas que adquiridas. Darnos cuenta que formamos parte de esta bella cultura nos hace entender mucho de lo que somos, vivimos y lo que nos han inculcado nuestros padres. Una forma de entendernos en voltear un poco al pasado.”

Aunque el futuro de las artesanías de fibras vegetales en Tzintzuntzan puede parecer incierto, la esperanza radica en el interés que muestran algunas familias jóvenes por retomar estas prácticas tradicionales. Verónica y su esposo creen que las nuevas generaciones pueden encontrar en este oficio un camino de descubrimiento personal y de preservación de su herencia cultural.

“Se podría decir que el futuro de Tzintzuntzan es incierto, pero al mismo tiempo se conserva la esperanza, pues nuevas familias se ven interesadas en practicar las fibras vegetales. Yo creo que las nuevas generaciones pueden tomar iniciativa y descubrirse a sí mismos por este camino. La vida da mil vueltas y saber que existen jóvenes que aún interactúan con la artesanía me llena de esperanza.”

En cuanto a la comercialización de sus productos, la familia ha adaptado algunas estrategias, como el uso de redes sociales y la recepción de grupos de turistas en su taller, donde ofrecen una experiencia de manipulación del popotillo. Sin embargo, aún dependen en gran medida de intermediarios que les permiten llegar a diversos mercados.

“No de manera formal, contamos con redes sociales, como Instagram y Facebook, y nuestro taller, ubicado en la comunidad de Tzintzuntzan, con domicilio Tariacuri s/n, en el cual logramos recibir grupos de turistas en el cual implementamos una experiencia con la manipulación del popotillo como una explicación del mismo, allí mismo exponemos algunas de nuestras piezas que están a la venta. Mandamos a todas partes del mundo. En su mayoría contamos con vendedores intermediarios.”

Algo más vendrá

En el futuro, esta familia de artesanos sueña con poder contar con un espacio más céntrico y formal, como una galería, donde puedan exponer y comercializar sus creaciones. Además, les gustaría poder colaborar con otros artesanos de la región y desarrollar nuevas propuestas, como una línea de vestimenta hecha con panikua.

“Nos gustaría poder contar con espacio más céntrico donde puedan ubicarnos y darle un plus a nuestro centro de trabajo, una galería de manera formal. También nos gustaría poder tener colaboraciones con otros artesanos de la región y poder realizar obras especiales. De la misma forma nos gustaría presentar una gama de diseños de vestidos hechos de panikua.”

Para los jóvenes, Verónica y su familia tienen un mensaje claro: no dejen pasar la oportunidad de aprender oficios tradicionales, pues en ellos se encuentra un universo de valor, reconocimiento y bienestar personal.

“Nos gustaría poder mostrar nuestra experiencia, pues aunque nos enfocamos en diversos intereses, logramos encontrar nuestro camino volteando a ver las pequeñas cosas con las cuales siempre tuvimos contacto, no hay como elegir cosas que le den bienestar a nuestro ser, y si alguno tiene la oportunidad de aprender algún oficio además de estudiar no dejarlo pasar, recordar que tenemos una gran oportunidad de conocer un nuevo mundo lleno de mucho valor y reconocimiento, es no dejar morir nuestro legado pues recibimos parte del ser de nuestros familiares y amigos que nos enseñan en las prácticas de artesanías, es como no dejar apagar ese fuego.”

En Tzintzuntzan, la familia de Verónica Cornelio sigue tejiendo su historia, hilando cada fibra con el cariño y la determinación de quienes se han propuesto preservar una tradición que trasciende el tiempo y les permite conectarse con su esencia más profunda. Un legado que aspira a ser transmitido a las generaciones venideras, para que la panikua siga siendo el hilo conductor de una cultura que se niega a desvanecerse.

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Andrea Zalapa y La Amargura

Eduardo López — Sun, 17 Mar 2024 03:19:41 +0000

De las aulas del Tecnológico de Morelia a las cervezas artesanales de La Amargura, Andrea Zalapa ha recorrido un camino disruptivo y apasionante. Esta mujer originaria de Paracho, con raíces también en Los Reyes, Michoacán, estudió Ingeniería Bioquímica, una carrera difícil pero que, sin dudas, volvería a elegir “una y mil veces” pues ahí descubrió la creatividad para desarrollar productos.

Y fue precisamente esa creatividad la que la llevó a incursionar en el mundo de la cerveza artesanal, a pesar de que inicialmente ni siquiera le gustaba la cerveza. “Estaba fascinada por el proceso bioquímico que había detrás”, comenta Andrea, quien empezó a estudiar, probar cervezas y elaborar sus primeras creaciones hasta que, junto con su familia, encontraron el nombre perfecto: La Amargura.

El proceso

El proceso creativo detrás de las cervezas de La Amargura es único y espontáneo. Andrea se inspira en los sabores, olores y personalidad que desea plasmar en cada estilo, buscando siempre representar su pueblo en las etiquetas y los sabores. “Soy muy espontánea y mi método de medición es el tanteo”, explica.

Pero la cerveza no es el único emprendimiento de esta ingeniera. Durante la pandemia, nació Sïrankua, su línea de cosméticos naturales. “Empezamos este proyecto con amigas para visibilizar la cosmética ancestral y medicina tradicional, pero sobre todo a precios justos y concientizando sobre el impacto ambiental”, relata Andrea.

Andrea Zalapa y La Amargura

Un día típico en su vida como emprendedora y cervecera artesanal comienza con ejercicio y café. Por las mañanas se dedica a La Amargura, lavando botellas, barriles y elaborando cerveza, mientras que por las tardes se enfoca en Sïrankua, completando pedidos y formulando nuevos productos.

Sin embargo, el camino no ha sido fácil para Andrea, quien ha tenido que enfrentar retos como mujer en industrias tradicionalmente dominadas por hombres. “Empezó siendo difícil, ya que era de las poquitas cerveceras en Michoacán o al menos de las que se aventó al ruedo con tan poquito tiempo de experiencia”, recuerda. A sus 22 años, sentía cómo la hacían “chiquita” entre tantos cerveceros y llegaba a escuchar comentarios horribles sobre su cerveza y sobre ella misma, haciéndola sentir que debía dejar de hacer cerveza. Pero su perseverancia y orgullo la llevaron a continuar.

La constancia

Hoy, Andrea organiza eventos como el Amargo Fest edición morras, con el objetivo de dar a conocer la cultura cervecera y empoderar a las mujeres en esta industria. “El saber que hay mujeres cerveceras me hace sentir acompañada y por lo tanto también el impulsarnos la una a la otra, es necesario”, afirma.

Además, busca visibilizar a las emprendedoras y creadoras, resaltando el valor de sus productos y creaciones. En cuanto a La Amargura Taproom Bar, ofrece un espacio lleno de bonitas experiencias, cerveza, comida y música, creando un ambiente armónico donde los clientes se vayan “con un mundo nuevo en la cabeza”.

La próxima edición del Amargo Fest edición morras promete ser un evento emocionante, con cerveza artesanal hecha por mujeres, comida, emprendedoras, creadoras, artistas, cantantes y poetas. Habrá juegos, actividades y la oportunidad de convivir y apoyar este proyecto.

Emprendedora

Andrea no solo ha logrado combinar su formación como ingeniera bioquímica con su pasión por la cerveza artesanal y los cosméticos naturales, sino que también ha enfrentado desafíos en cuanto a la distribución y comercialización de sus productos. Pero su determinación la ha llevado a planear una expansión este año, con el objetivo de abarcar más mercado en Michoacán y fuera del estado, aumentando la producción de La Amargura y Sïrankua.

Con ingredientes locales como el nurite y los frutos rojos, técnicas tradicionales e innovadoras, y un equipo de trabajo en constante crecimiento, Andrea Zalapa ha demostrado que la química y la cerveza artesanal pueden ser una combinación ganadora. Su legado en Michoacán es una cerveza única y de calidad, así como una comunidad de emprendedoras y creadoras que encuentran en ella una voz y un apoyo invaluable.

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Aguaturmas Blancas: Cuentos P’urhépechas

Eduardo López — Sun, 17 Mar 2024 03:02:38 +0000

Las comunidades p’urhépechas han preservado celosamente su legado a través de la tradición oral. Ahora, un nuevo libro de cuentos busca plasmar en letras esta vasta sabiduría ancestral. “Aguaturmas blancas” es la primera obra literaria de Esteban Sevastián, un escritor oriundo de Las Encinillas, una pequeña ranchería p’urhépecha de la región serrana de Michoacán, perteneciente al municipio de Tangamandapio.

Sobre el autor

Esteban, el menor de doce hermanos de una familia humilde y tradicional, cuenta que desde niño estuvo inmerso en las labores del campo sembrando y vendiendo leña junto a su padre. Pero fueron las entrañables historias de su abuelo Dionisio las que sembraron en él la semilla de la palabra. “Mientras leñaba, estiraba alambre o caminaba al monte, mi abuelo me contaba la historia del mundo; sabía qué era cada animal antes de ser animal, a reconocer el piar de los pájaros, el comportamiento de las hormigas o el aullido de los coyotes. Él lo sabía todo, quería ser como él, crear mundos en la cabeza de otras personas por medio de la palabra. Él fue mi mayor inspiración e influencia”, rememora con nostalgia.

Tras estudiar Ciencias Teológicas y Filosóficas, además de formarse como escritor, Esteban decidió regresar a sus raíces con la firme intención de aportar su grano de arena a la preservación del acervo cultural p’urhépecha. El fruto de ese anhelo es “Aguaturmas blancas”, una colección de diecisiete relatos cuidadosamente hilvanados a lo largo de ocho años, en los que se entrelazan las experiencias cotidianas, tradiciones, creencias, luchas y singular cosmovisión de estos pueblos milenarios.

Sobre el libro

“Este libro toca las historias y experiencias cotidianas de las comunidades p’urhépecha de la región, ofreciendo una cosmovisión de la vida de los pueblos; en las tradiciones, las relaciones familiares, las creencias culturales, la lucha contra la adversidad, la supervivencia y la muerte”, describe Esteban sobre los diversos temas que aborda su obra.

Las palabras cobran vida a través de las diecisiete ilustraciones creadas por la artista Jessica García Huipe, cuyo estilo de líneas limpias evoca belleza y contemplación. “Las ilustraciones se interpretan por sí mismas aunque tengan como base los relatos. Poseen una estética y un estilo particular”, comenta el autor.

A diferencia de otros libros con fines didácticos o moralistas, Esteban aclara que su intención no es adoctrinar. “Los relatos no son pretenciosos, no contienen ninguna intención de enseñar tal o cual cosa, qué es bueno o malo. En este sentido, el amor, el odio, el bien, el mal, la vida, la muerte, los dioses y demonios tienen la misma dignidad; las virtudes, los vicios no me toca juzgarlas”, afirma.

Aguaturmas Blancas: Cuentos P’urhépechas

La obra fue editada de manera independiente por Santi-Ediciones, pues según el propio Esteban, “este libro se forjó como una necesidad de expresar, de decir que los p’urhépechas seguimos aquí. No como hace 500 años, ni siquiera como hace 50, estamos aquí cargando nuestro pasado híbrido, junto a la modernidad del mundo pero ahora queremos hablar con nuestra propia voz, en medio de nuestra realidad”.

Quienes deseen sumergirse en este universo literario cuyas raíces se hunden en el tiempo, podrán adquirir “Aguaturmas blancas” en preventa con un precio especial hasta el 20 de abril, fecha en que se realizará la presentación oficial en la Casa de la Cultura de Tangamandapio. El 26 de abril habrá una segunda presentación en la Casa de la Cultura del Valle de Zamora. Posteriormente, el libro estará disponible en plataformas como Amazon.

Un libro que se vive

“Me aventuro a decir que más que leerse, es un libro que se vive junto a los personajes. Igualmente, entre los relatos contiene palabras en p’urhépecha con la intención de que al final, quien no lo hable pueda identificar algunas palabras, en este sentido puede ser pedagógico, aunque no es el objetivo principal”, comparte Esteban, invitando a los lectores a emprender esta enriquecedora travesía por la cultura viva de su pueblo.

Con “Aguaturmas blancas”, Esteban no solo rinde homenaje a sus ancestros y sus enseñanzas, sino que aspira a que esta obra sea el inicio de un camino de difusión más amplio de las voces p’urhépechas. “Tengo la ambición de poder presentar el libro en la mayoría de los centros culturales que poseen las comunidades p’urhépecha, espero sea posible”, augura esperanzado.

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