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La Endiablada: Música de Tamborita

Eduardo López — Fri, 28 Nov 2025 17:11:00 +0000

Este martes tuve la fortuna de grabar algunas piezas con el conjunto de música de tamborita La Endiablada, un proyecto nacido en la Tierra Caliente de la cuenca del río Balsas. La Secretaría de Cultura nos abrió las puertas del patio de la Casa Natal de Morelos, en Morelia, y ahí, entre paredes antiguas y ese eco tan particular que guardan los patios viejos, se dio la grabación. El sonido de los instrumentos parecía acomodarse solo entre los arcos y la piedra, como si ese lugar hubiera estado esperando la llegada de esta música.

El conjunto está formado por Edgar Adrián Lara Pérez en el violín, Manuel Alejandro Santos Bucio en la guitarra, Cloe Xochitl Pérez Valladares en la tamborita y Abraham Bautista Salinas en el tololoche. Cuatro jóvenes con un sonido firme, orgulloso de su raíz, pero con un modo muy propio de sentir la música.

Interpretaron cinco piezas hermosas: De Huétamo a Pachuca, paso doble de Socorro Galván; Gusto Federal, atribuida a Juan Bartolo Tavira y Vicente Rivapalacio; Tortolita, también atribuida a Tavira; San Lucas, gusto calentano de Magdaleno H. Mondragón; y La Endiablada, gusto de autor desconocido, interpretado aquí a partir de la versión de Bardomiano Flores Frías y su conjunto. Cada pieza fue un viaje pequeño, de esos que duran unos minutos pero dejan un sabor largo.

Escuchar música de las distintas regiones de Michoacán siempre es un regalo. Aquí, donde uno está más acostumbrado a los sones, abajeños y pirekuas, pareciera que los estilos de otras zonas quedan lejos, aunque formen parte del mismo estado. Hace años, por azares de la vida, empecé a escuchar música de muchos rumbos: sones jarochos, huastecos, música andina… y así llegué a la Tierra Caliente. Al principio pensé que era una sola, que aquello que oía de Apatzingán y el arpa grande representaba toda la región. Pero no. Hay otra Tierra Caliente allá por Huétamo, San Lucas, Churumuco, Coyuca, hacia el límite con Guerrero, donde la tamborita, el violín y la guitarra cuentan historias distintas, con otra luz, con otro pulso.

Los violines ahí parecen tener otra alma: veloces, precisos, a ratos juguetones y a ratos melancólicos. Las letras pueden ser románticas, o narrar sucesos, o simplemente pintar escenas de la vida diaria. Y, aunque cada pieza sigue su propio camino, todas comparten esa nostalgia que corre por dentro, esa sensación que aparece como si uno recordara un lugar en el que nunca ha estado.

Quizás esa es la magia de esta música: te hace imaginar el calor sofocante de la región, la luz que se va apagando al final del día, la gente que se junta cuando por fin cae un poco de brisa, el baile que empieza casi sin pensarlo, las voces que de pronto se enredan con el violín. No sé cómo explicarlo mejor: simplemente ocurre. Se siente.

He tenido la oportunidad de visitar la Tierra Caliente por el lado de Apatzingán, Nueva Italia, Buenavista, y siempre me sorprende. El paisaje es asombroso, lleno de verdes distintos, de ríos que se esconden y reaparecen, de montes que parecen flamear bajo el sol. Y el calor… ese calor que no se parece a nada. Donde vivo estamos más acostumbrados al fresco, al viento frío de la mañana, a la lluvia que cae sin avisar. Llegar a un sitio donde el sol se queda ahí plantado, sin moverse, es una experiencia poderosa. Pero también ahí, entre ese clima intenso, la gente es cálida de una manera que cuesta explicar: activa, sonriente, franca. Uno se siente bien recibido incluso antes de saludar.

A lo largo de los años he conocido personas de esta región que recuerdo con mucho cariño. Pienso ahora en Héctor, allá en Coyuca, o en Mary, o en la doctora Mayi, de San Lucas. Gente que te enseña, sin decirlo, que el país está hecho de muchos países, que dentro de México caben un montón de mundos distintos. Siempre me pesa lo fácil que es hablar del “país” como si fuera uno solo. Es un error viejo, muy repetido. En realidad convivimos entre naciones pequeñas, pueblos diversos, formas de vivir completamente distintas. A veces ni siquiera conocemos lo que tenemos cerca: nuestro municipio, las comunidades vecinas, los caminos que cruzamos sin mirar. Y basta recorrer un tramo del estado para descubrir que la música cambia, el habla cambia, los gestos cambian. Todo se transforma.

Por eso grabar con La Endiablada significó tanto. No todos los días se tiene la oportunidad de convivir con músicos que guardan una identidad tan clara y, al mismo tiempo, tan poco conocida para muchos. Ojalá quienes escuchen estas grabaciones puedan percibir un poco de lo que vivimos ahí: la cercanía, la sensibilidad, la manera en que la música llenó el espacio de colores y memoria.

Tal vez para algunos esta música sea familiar; para otros, completamente nueva. Pero si algo de lo que sentimos —aunque sea un destello— alcanza a llegar al público, habrá valido la pena.

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Afinando el camino: Sule Vega

Eduardo López — Fri, 18 Apr 2025 05:04:30 +0000

Hay caminos que parecen elegirse solos. A veces no hay una razón clara, solo una chispa, un impulso, una decisión que parece casual pero que se convierte en el eje de toda una vida. Así comenzó la historia de Suleyma Vega con la trompeta. Tenía nueve años, estaba en la primaria, y le pidieron elegir un instrumento para una actividad extracurricular. No sabía muy bien por qué la trompeta. Tal vez fue su forma, su brillo, su sonido desafiante, o quizá un eco inconsciente de su abuelo trompetista. Lo cierto es que la eligió sin saber que ese gesto marcaría su destino.

Hoy, años después, Sule no solo ha hecho de ese instrumento su voz principal, sino que también se ha convertido en una figura clave en la escena musical de Michoacán. No por los aplausos o los reconocimientos —aunque no han faltado—, sino por su compromiso con el arte, la educación, la cultura y, sobre todo, por su firme deseo de abrir camino en un terreno históricamente dominado por hombres: los metales.

“Mi mayor inspiración siempre ha sido sobresalir en un campo donde casi no había mujeres”

Sule Vega

Al principio, no tenía referentes femeninos cercanos. Fue hasta que ingresó, a los 12 años, a la Orquesta Filarmónica Juvenil de Morelia (LAOFIM), cuando conoció a la maestra Jenny Cárdenas, cornista de la Orquesta Sinfónica de Michoacán. Esas primeras clases con ella fueron determinantes. No solo aprendió técnica; aprendió que era posible, que sí había mujeres como ella en el mundo de los metales, aunque fueran pocas.

En LAOFIM, Sule tuvo su primer contacto con la experiencia sinfónica formal. Rodeada de estudiantes del Conservatorio y de la Facultad Popular de Bellas Artes, ensayaba, compartía, aprendía. “A mis 12 años me parecía que era el mejor trabajo del mundo”, recuerda. Era más que música: era comunidad, entusiasmo, juego, crecimiento. Y ese sentimiento, más que desaparecer, se ha transformado con los años en un compromiso aún más profundo con la música y con su entorno.

Uno de los hitos más importantes de su trayectoria fue su concierto de titulación en la Facultad Popular de Bellas Artes. “Fue el momento más emocionante de mi vida”, dice con una sonrisa que aún se percibe en su voz. No es para menos: años de esfuerzo y disciplina concentrados en una sola presentación, en un solo día que resume tantos otros.

Otro momento clave llegó con su nombramiento como directora de la Orquesta Purépecha Nicolaita “Juchari Uinapekua”. Para Sule, este proyecto representa mucho más que una agrupación: es un espacio vivo de creación, identidad y resistencia cultural. “La música tradicional me ha acompañado desde siempre, y estar al frente de esta orquesta me emociona muchísimo”, comparte. Aquí, junto a sus compañeros, tienen la libertad y el impulso para componer, interpretar, reinventar. Hacen música desde su raíz, desde su historia, desde sus preguntas.

La relación de Sule con su instrumento también ha evolucionado. Ha tomado clases magistrales, ha navegado entre distintos géneros, ha aprendido de muchos maestros. Su trompeta ha sonado en contextos clásicos, populares, tradicionales. Y en cada escenario, ella ha puesto algo suyo: una visión, una sensibilidad, una forma de decir que la música es tan diversa como quienes la ejecutan.

Hoy, además de su trabajo con la orquesta, Sule tiene la mirada puesta en seguirse formando y consolidando como trompetista solista. Quiere tocar en más escenarios, llevar su música a otros rincones de Michoacán, compartir ese lenguaje que ya no necesita traducción.

Pero su voz no se queda en la ejecución. También quiere dejar un mensaje: “Necesitamos ser más mujeres las que toquemos instrumentos de metal. Al final, los instrumentos no tienen género.” Su presencia —y la de otras trompetistas que van abriendo camino— busca romper estereotipos, cambiar las narrativas, mostrar que la fuerza y el virtuosismo también tienen rostro femenino.

La Orquesta Purépecha Nicolaita, además, tiene una misión clara: difundir la música purépecha en espacios universitarios, donde muchas veces sigue siendo desconocida. Interpretan piezas de grandes compositores purépechas, pero también crean las suyas, nutriendo así el legado musical con nuevas voces y sensibilidades. Suleyma reconoce que ha habido un auge reciente de orquestas de música purépecha, y lo celebra. Cada una, a su manera, fortalece la identidad cultural de la región y da lugar a nuevas generaciones de músicos que no solo interpretan, sino que también crean.

A lo largo de su camino, los desafíos no han sido pocos, pero Sule los ha enfrentado con determinación y con alegría. Porque sí, aunque hay barreras, también hay amor por lo que hace, convicción, y una comunidad que la acompaña. En su proceso creativo, el entorno local es clave. La cultura, las tradiciones, el sentido colectivo de la música, todo eso se cuela en sus proyectos. La comunidad no solo escucha, también inspira, impulsa, transforma.

Al preguntarle qué iniciativas de la región merecen más apoyo, no da una lista. Pero sí deja entrever algo más profundo: para que un proyecto cultural funcione en una comunidad, debe tener raíces, debe vincularse con su gente, debe ser espacio para la memoria y la imaginación. Y eso es justo lo que hace Sule con su música: teje vínculos, abre puertas, construye desde lo propio.

Escuchar a Sule es descubrir no solo una gran trompetista, sino también una mujer que ha hecho de su instrumento una herramienta de cambio. Al verla dirigir, tocar, crear, una cosa queda clara: su historia no fue fruto del azar. Tal vez no supo por qué eligió la trompeta, pero la trompeta —desde siempre— sí supo por qué la eligió a ella.

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Dhash Dhasher y la memoria en los muros

Eduardo López — Wed, 09 Apr 2025 02:03:58 +0000

En los muros de Uruapan florecen colores que no solo adornan, sino que cuentan.
En cada trazo, Dhash Dhasher —artista urbano del barrio de Santo Santiago— pinta no solo con aerosol, sino con memoria, con raíz, con la certeza de que el arte puede ser semilla de conciencia.

Su historia comenzó entre los ecos del graffiti y el pulso del hip hop. “Siempre me llamó la atención la fiesta de los barrios”, nos cuenta. No como espectador, sino como quien ha crecido dentro de ese ritmo vital, rodeado del bullicio alegre, del color profundo y del calor comunitario. Desde niño, esas celebraciones encendieron algo que hoy se transforma en murales llenos de símbolos, personajes y mensajes que hablan de lo propio, de lo nuestro.

“Las herramientas que encontré en el graffiti las comencé a usar para retratar la cultura a la cual pertenezco.”

Y así fue. Inspirado por otros artistas del arte urbano, por la libertad que se respira en las exposiciones donde cada quien pinta lo que le dicta el alma, Dhash halló un lenguaje. Uno que no necesita traducción. Uno que conecta desde la calle y para la calle. Uno que convierte una pared cualquiera en un espejo de identidad.

Uno de los momentos que marcó su trayectoria fue su participación en Meeting of Styles, uno de los encuentros de graffiti más importantes del mundo. Ahí, representando por primera vez a Michoacán, se enfrentó no solo a los mejores del planeta, sino a sí mismo. Compartir técnicas, miradas y energía con artistas de distintos países lo hizo crecer. Pero, lejos del ruido de la gran ciudad, hay otro logro que guarda con particular cariño: sus murales en la calle Independencia de Uruapan. En ellos vive un cuento, el de un niño que descubre por primera vez el río Cupatitzio. Ese mural nació para sembrar conciencia ecológica entre niñas y niños. Y germinó. “He encontrado personas que me dicen que ese cuento les gusta mucho a sus hijos”, comparte con humildad. Ese es el tipo de arte que importa: el que se queda en la memoria emocional.

Claro, nada de esto ha sido fácil. Para pintar un mural, además de talento, se necesita pintura. Y para conseguirla, más de una vez tuvo que trabajar semanas enteras en lo que fuera, solo para comprar algunas latas. Aun así, nunca paró. Porque había algo más fuerte: el deseo de representar lo que ama. Y eso, a veces, puede más que cualquier obstáculo.

Hoy, su mirada está puesta en Urhuapani, su primera exposición individual. El nombre, que en purépecha significa “donde todo florece”, no es una casualidad. En esta exposición —que además es un gesto de resistencia simbólica— Dhash busca mostrar la belleza de su tierra frente a los embates culturales de una globalización que muchas veces borra más de lo que suma.

“Quiero retratar lo bonito que tiene nuestra cultura y por qué deberíamos conservarla, preservarla e incentivar a otras personas a quererla.”

Lo hace con personajes que encuentra en las fiestas tradicionales, a los que invita a convertirse en modelos pictóricos de lo cotidiano. Gente real, con historias reales, que representan la diversidad y riqueza de las comunidades. Porque el arte no le pertenece al museo, dice, sino a la calle. A los transeúntes que se detienen un segundo, que encuentran una escena familiar en una pared cualquiera. Y sonríen.

Dhash también cree que el arte debe hablar del presente, de lo urgente: el cuidado del medio ambiente, la protección de las raíces, las historias cotidianas que conforman el alma de un pueblo. Sus murales no son adorno, son puente. Y en esa intención, su trabajo ha comenzado a jugar un papel clave en el desarrollo cultural de Uruapan. Porque una comunidad que se ve representada, se reconoce. Y una comunidad que se reconoce, se fortalece.

Por eso, cuando le preguntamos qué proyectos valen la pena difundir, sin dudar menciona lo que hacemos en Uërani. Y también lanza una llamada de atención: hace falta más apoyo institucional. Porque, como él mismo dice, “una sociedad sana se logra con una cultura sana.”

Y en eso estamos de acuerdo.

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Entretejiendo legados: Panikua

Eduardo López — Fri, 05 Apr 2024 02:03:56 +0000

En el corazón de la región purépecha, Verónica Cornelio es la portavoz de una tradición familiar que se remonta a varias generaciones. Junto a su esposo Misael, ella se ha dedicado a preservar y evolucionar el oficio artesanal de las fibras vegetales, específicamente el trabajo con la panikua, un material que les ha permitido expresar su identidad, conectarse con sus raíces y mantener viva una herencia cultural que trasciende el paso del tiempo.

Desde temprana edad, Verónica fue testigo del talento y la pasión que su padre, Antonio, imprimía en la elaboración de piezas como vírgenes, cristos y resplandores, utilizando estas fibras vegetales. Eran momentos especiales, cuando se celebraban fechas tradicionales como Semana Santa y Día de Muertos, y ella tuvo la oportunidad de participar, ayudando a su padre con los pedidos y sumergiendo sus manos en la panikua por primera vez.

“En los inicios de la manipulación de las fibras vegetales, se hacía en las temporadas donde se festejaban fechas tradicionales como Semana Santa, Noche de Muertos, Corpus, en donde se elaboraban vírgenes, cristos y resplandores. En ese tiempo, yo ayudaba a mis padres con los pedidos y fue hasta entonces donde comencé a tener la interacción con la panikua”, recuerda Verónica.

Entretejiendo Legados: Panikua

Años más tarde, el padre de Verónica logró desarrollar sus propias técnicas, expandiendo el tamaño y la complejidad de sus creaciones, desde pequeños resplandores de 10 cm hasta imponentes estrellas de panikua de más de 2 metros de longitud. Esta evolución estuvo motivada por la necesidad de generar mayores ingresos económicos para la familia, especialmente después del nacimiento de una hija con una discapacidad en el hombro.

“Esto debido a la necesidad de tener ingresos económicos mayores y con la llegada de un nuevo miembro en la familia, la hija más pequeña que al nacer por negligencia médica la lastimaron, en donde le surgió una discapacidad en su hombro derecho, teniendo como motivación más grande la necesidad del mejoramiento a la familia”, explica Verónica.

Fue a través de una visita de un familiar que se despertó la inspiración para crear piezas cada vez más grandes y elaboradas, logrando incluso atravesar fronteras de creatividad. Esto se tradujo en un mayor ingreso económico, lo que a su vez impulsó al padre a seguir explorando y perfeccionando sus técnicas.

“Esto surgió debido a una visita de una prima muy querida en la familia la cual preguntó a mi padre Antonio si podía hacer una pieza más grande, logrando atravesar fronteras de creatividad del maestro, en donde a la fecha la pieza tiene más de 20 años estando intacta. Mi padre recuerda haber obtenido un ingreso económico mayor, el cual lo motivó a realizar más piezas e interesarse a crear más obras, el cual utilizó para las necesidades familiares que surgían.”

Del laboratorio al taller

Después de haber obtenido una formación académica como químico farmacobiólogo y vivir una temporada en Guadalajara, Verónica decidió regresar a Michoacán, donde se casó con Misael, un hombre de la comunidad de Santa Cruz, en Tzintzuntzan. Fue entonces cuando Verónica se integró al taller de sus padres, encontrando su verdadera vocación y sintiendo que había vuelto a su lugar.

“Yo me inicié en el oficio de la panikua debido a mi experiencia personal al trabajar de la formación académica que obtuve como químico farmacobiólogo, al trabajar en la ciudad de Guadalajara, Jalisco. En el cual en esta estadía me casé con Misael B. Coria, el pertenece a la comunidad de Santa Cruz, municipio de Tzintzuntzan. Mis padres siempre me inculcaron la educación para mi formación. Gracias a ello, logré tener una perspectiva de la vida de forma diferente. El cual al mismo tiempo me llevó a regresar a Michoacán en donde comenzamos a trabajar con ellos en su taller, pues después de mi experiencia pude sentir estar en mi lugar, dedicándonos los dos al oficio de panikua.”

Uno de los mayores desafíos que enfrentaron al incorporarse a este oficio tradicional fue el desarrollo de la propia creatividad, ya que si bien les enseñaron las técnicas utilizadas por sus predecesores, debían encontrar su propia forma de expresión. Además, la calidad del trabajo era un aspecto fundamental, pues el padre exigía que las piezas fueran realizadas con el máximo cuidado.

“Los mayores desafíos con los que nos encontramos fue desarrollar la creatividad propia, ya que nos enseñaron técnicas utilizadas en sus obras y nosotros debíamos expresar nuestra propia creatividad, lo cual nos llevó a reconocer las obras y creatividad diversa de todos los integrantes de la familia que lo manejamos. Y a la par la calidad en el trabajo del oficio, ya que mi padre al enseñarnos nos pedía que trabajáramos con calidad al momento de ayudarle a realizar sus pedidos.”

Confiar en el proceso

El proceso de elaboración de estas artesanías implica la selección y preparación de los materiales, principalmente las diferentes variedades de semillas de trigo y paja, que se obtienen de comunidades aledañas. Luego, se clasifican y se les da el tratamiento adecuado, ya sea para la creación de figuras planas o para la construcción de piezas de gran tamaño, como los soles de panikua.

“Existen diversas semillas de trigo utilizadas en la república, las cuales utilizan para hacer harinas de pan. La paja se la dan de alimento al ganado y hasta para hacer casas con adobes de lodo. Nosotros logramos utilizarlo para realizar artesanías. Eso nos ayuda debido a que, de acuerdo a la diversidad de semillas, estas les dan características diferentes, desde tamaño, textura y color.”

Esta materia prima se obtiene de comunidades donde aún se conservan extensiones de tierras grandes, como Azajo, y de un proveedor agrícola del estado de México. Una vez clasificados los materiales por tamaño, grosor y color, se procede a humedecerlos y manipularlos, aplicando diferentes técnicas de tejido y armado, dependiendo de la pieza que se vaya a elaborar.

“Al obtenerlo, nosotros nos encargamos de clasificarlo por tamaño, grosor y color, ya que al utilizarlo, debido a estas características, lo destinamos para tejido de figuras planas y otros para los soles de panikua y figuras pequeñas que utilizamos para su decoración. Al tenerlo clasificado, pasamos a mojarlo de 10 a 15 min en reposo. Debemos cuidar su humedad, ya que si lo dejamos mucho tiempo mojado se rompe o si le falta humedad se rompe.”

Estas técnicas ancestrales, aprendidas de generación en generación, abarcan desde los tejidos tradicionales hasta los nudos utilizados para los amarres, pasando por la inspiración de la cosmovisión purépecha y la representación de elementos emblemáticos como el colibrí.

“Técnicas de tejido para figuras planas, estas surgen de la interacción con la naturaleza que se tiene y aún se conservan en nuestras comunidades, las cuales son representativas de la región. Nos hemos dado cuenta que tejer con el popotillo es como dibujar, se puede realizar casi cualquier cosa. Las técnicas que logramos conservar son las de cintillas prehispánicas las cuales al percibirlas se pueden ver las formas de zic zac y en forma de espiral. Estas fueron aprendidas por el bisabuelo Moisés Cornelio, ya que algunas eran utilizadas para elaboración de artesanías tradicionales.”

“Para los soles de panikua, logramos tener la inspiración de la cosmovisión purépecha, ya que a través de la misma reconocemos al dios Tata Curiata, que a simple vista nuestras piezas a la vista parecieran ser un sol. Y así mismo con las piezas que logramos personalizar con la decoración que utilizamos.”

“Los colibrís que utilizamos para el diseño lo hacemos con alusión de transmitir la localización del lugar de donde somos, pues Tzintzuntzan significa ‘lugar de colibrí’, es por ello que en la mayoría de nuestros diseños decoramos con colibrís. El nudo que utilizamos para nuestros amarres surgió de la práctica de remendar las redes para pesca al momento de romperse, pues mi padre recuerda a mi bisabuelo remendarlas con un nudo que él mismo llamó ‘nudo de puerco’, este por ser práctico y resistente al emplearse fue muy adecuado utilizarlo en cada amarre de nuestras piezas.”

Fortalecer la tradición

Para Verónica y su familia, preservar esta tradición significa mucho más que una simple actividad económica. Es una forma de expresar su identidad, de conectarse con sus raíces y de transmitir a las nuevas generaciones los conocimientos y valores que han sido parte de su legado familiar.

“Es un gran orgullo poder conservar las prácticas ancestrales transmitidas por nuestra familia, además de la transmisión de conocimientos, para nosotros es una forma de poder expresarnos que va desde un pensamiento, recuerdo, idea y sucesos que nos van marcando en la vida misma. Nos damos cuenta que podemos transmitir parte de nuestro ser, esto libera una sensación de bienestar y orgullo.”

“Para nosotros significa gratitud, compromiso, amor y alegría el poder conservar y mejor las técnicas que adquiridas. Darnos cuenta que formamos parte de esta bella cultura nos hace entender mucho de lo que somos, vivimos y lo que nos han inculcado nuestros padres. Una forma de entendernos en voltear un poco al pasado.”

Aunque el futuro de las artesanías de fibras vegetales en Tzintzuntzan puede parecer incierto, la esperanza radica en el interés que muestran algunas familias jóvenes por retomar estas prácticas tradicionales. Verónica y su esposo creen que las nuevas generaciones pueden encontrar en este oficio un camino de descubrimiento personal y de preservación de su herencia cultural.

“Se podría decir que el futuro de Tzintzuntzan es incierto, pero al mismo tiempo se conserva la esperanza, pues nuevas familias se ven interesadas en practicar las fibras vegetales. Yo creo que las nuevas generaciones pueden tomar iniciativa y descubrirse a sí mismos por este camino. La vida da mil vueltas y saber que existen jóvenes que aún interactúan con la artesanía me llena de esperanza.”

En cuanto a la comercialización de sus productos, la familia ha adaptado algunas estrategias, como el uso de redes sociales y la recepción de grupos de turistas en su taller, donde ofrecen una experiencia de manipulación del popotillo. Sin embargo, aún dependen en gran medida de intermediarios que les permiten llegar a diversos mercados.

“No de manera formal, contamos con redes sociales, como Instagram y Facebook, y nuestro taller, ubicado en la comunidad de Tzintzuntzan, con domicilio Tariacuri s/n, en el cual logramos recibir grupos de turistas en el cual implementamos una experiencia con la manipulación del popotillo como una explicación del mismo, allí mismo exponemos algunas de nuestras piezas que están a la venta. Mandamos a todas partes del mundo. En su mayoría contamos con vendedores intermediarios.”

Algo más vendrá

En el futuro, esta familia de artesanos sueña con poder contar con un espacio más céntrico y formal, como una galería, donde puedan exponer y comercializar sus creaciones. Además, les gustaría poder colaborar con otros artesanos de la región y desarrollar nuevas propuestas, como una línea de vestimenta hecha con panikua.

“Nos gustaría poder contar con espacio más céntrico donde puedan ubicarnos y darle un plus a nuestro centro de trabajo, una galería de manera formal. También nos gustaría poder tener colaboraciones con otros artesanos de la región y poder realizar obras especiales. De la misma forma nos gustaría presentar una gama de diseños de vestidos hechos de panikua.”

Para los jóvenes, Verónica y su familia tienen un mensaje claro: no dejen pasar la oportunidad de aprender oficios tradicionales, pues en ellos se encuentra un universo de valor, reconocimiento y bienestar personal.

“Nos gustaría poder mostrar nuestra experiencia, pues aunque nos enfocamos en diversos intereses, logramos encontrar nuestro camino volteando a ver las pequeñas cosas con las cuales siempre tuvimos contacto, no hay como elegir cosas que le den bienestar a nuestro ser, y si alguno tiene la oportunidad de aprender algún oficio además de estudiar no dejarlo pasar, recordar que tenemos una gran oportunidad de conocer un nuevo mundo lleno de mucho valor y reconocimiento, es no dejar morir nuestro legado pues recibimos parte del ser de nuestros familiares y amigos que nos enseñan en las prácticas de artesanías, es como no dejar apagar ese fuego.”

En Tzintzuntzan, la familia de Verónica Cornelio sigue tejiendo su historia, hilando cada fibra con el cariño y la determinación de quienes se han propuesto preservar una tradición que trasciende el tiempo y les permite conectarse con su esencia más profunda. Un legado que aspira a ser transmitido a las generaciones venideras, para que la panikua siga siendo el hilo conductor de una cultura que se niega a desvanecerse.

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Las paredes si hablan: Nahir Alonso

Eduardo López — Sun, 17 Mar 2024 01:25:41 +0000

A la corta edad de 20 años, Bernardo Nahir Alonso Bejar ya se ha labrado un nombre como un destacado artista purépecha. Oriundo de San Felipe de los Herreros, un pequeño poblado en Michoacán, este talentoso autodidacta encontró su vocación en la creación de murales comunitarios que retratan y enaltecen la rica herencia cultural de su pueblo ancestral.

La pasión de Nahir por el dibujo floreció desde la infancia. Careciendo de acceso a cursos formales, pulió sus habilidades trabajando en rótulos publicitarios mientras seguía practicando incansablemente. “No tomé ningún curso o taller lo cual me hubiera ayudado mucho más, pero en la comunidad no había nada de esto”, recuerda. Fue con sus propios ahorros que finalmente pudo hacer realidad su sueño de pintar su primer mural. “No esperaba nada a cambio, todo era por amor al arte.”

La inspiración

Las fuentes de inspiración de Nahir emanan de las propias entrañas de la cultura michoacana a la que rinde homenaje. Sus murales dan voz y rostro a los compositores, artesanos, músicos y los entrañables pireris, íconos vivientes de la música purépecha. “Me gusta mucho la música purépecha y la mayoría de mi trabajo trata de ellos”, afirma con orgullo.

El proceso creativo de Nahir comienza con una exhaustiva inmersión en la comunidad donde trabajará. “Para poder comenzar, primero tengo que investigar sobre la comunidad para así plasmar esa idea a la pared, escuchar pirekuas si se trata de algún pireri o ver la elaboración de las artesanías si se trata de algún artesano”.

Su técnica involucra realizar numerosos bocetos a mano alzada, antes de trasladarlos meticulosamente a la pared utilizando una vibrante paleta cromática inspirada en la bandera purépecha. “Me gusta utilizar los colores de la bandera purépecha y cuando no lo hago trato de utilizar colores que tengan mucho contraste”, detalla.

Pero lo que más disfruta Nahir es la interacción con la comunidad durante la creación de sus murales. “Trato de que me cuenten su trayectoria, cómo aprendieron, anécdotas y si les gustaría que los jóvenes siguieran con ese legado”, comparte sobre las entrevistas que realiza previo a inmortalizar a sus personajes.

La reacción de la gente al ver su trabajo es lo que más lo motiva. “Disfruto la reacción de la comunidad y más que nada la de la persona plasmada, ya que no se le avisa y se puede notar su expresión al ver que se le está dando importancia o valor a lo que se dedica”. Esta conexión tan personal ha creado un profundo vínculo entre sus murales y la gente. “La comunidad cuida mucho ese mural, no lo rayan, no lo ensucian y lo protegen. Ahí se nota la importancia que tiene para ellos.”

Las paredes si hablan: Nahir Alonso

Con una sólida trayectoria construida mural a mural, Nahir tiene ambiciosos planes a futuro. “Me gustaría salir a otro estado o país para dar a conocer nuestras raíces a través de murales más grandes, como edificios enteros. También hacer exposiciones sobre las danzas de Michoacán en cuadros.”

Este joven artista vislumbra su camino artístico como “un trabajo evolutivo, el cómo fue evolucionando desde dibujos a lápiz, rótulos, pinturas, hasta la actualidad que son los murales”. Una evolución que sin duda continuará expandiendo sus horizontes creativos, pero manteniendo intactas sus raíces purépechas y su inquebrantable compromiso con el arte comunitario.

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